dovrebbero fare un gioco con delle card di questo sito, per farci ritornare ai quei bei tempi in cui la domenica pomeriggio d’estate era una miniera di sentimenti che ci venivano instillati dalla cultura americana per far pendere la bilancia della guerra fredda dalla loro parte.

Vi rendete conto di cosa si sono persi i nostri coetanei dell’est europa? Deve essere la stessa sensazione di giocare a poker da soli.

Steve Thomas è un grafico e illustratore dall’indiscutibile talento, anche se troppo spesso mortificato nella maniera o peggio ancora nel cattivo gusto.

Di tutte le sue fatiche più o meno riuscite, questi poster vintage che promuovono viaggi turistici ispirati a Star Wars sono decisamente il suo lavoro più felice. Il retro-futurismo vince sempre.

Gli inglesi sono stati privati di molto da un po di secoli a questa parte.

Il predominio sui mari, il Commonwealth, le parruccone dei giudici (no quelle forse le hanno ancora) e anche il privilegio di potere competere con Parigi. New York ha preso il posto della dickensiana Londra e nell’attesa che Pechino diventi la nuova New York e che Parigi si popoli di gente non scassacazzo godiamoci il lavoro di questo francese che secondo me non è niente male!

quei guastafeste della computer graphics.

Nel mia classifica dei geni del 900 posiziono sul podio a buon titolo Walter Elias Disney, il povero bambino dell Kansas figlio di immigrati che divenne il multimiliardario animatore, autore di fumetti, imprenditore, cineasta, produttore, regista, sceneggiatore e doppiatore di cinema d’animazione. Non parlerò ora di quanto sia stato innovativo con le sue tecniche ed intuizioni, di quanto sia stato originale con le Silly Symphonies (lo sapevate che la prima volta in cui venne utilizzato il Technicolor fu per Flowers and Trees che vinse anche l’oscar?), ma mi limiterò a fare una considerazione sulla storia e sui mutamenti dei lungometraggi Disney.
Era il febbraio del 1938 quando uscì nelle sale Biancaneve e i sette nani, il primo lungometraggio Disney (nonché primo lungometraggio della storia del cinema ad essere realizzato in Technicolor), che incassò più di otto milioni di dollari tra lo stupore degli scettici produttori che avevano cercato di dissuadere Walt dal suo progetto definendolo folle. Biancaneve divenne il più grande successo della storia del cinema fino all’uscita di Via col vento nel 1940 e vinse un oscar la cui statuetta venne accompagnata eccezionalmente da sette piccole statuette. Questo fu il primo passo da gigante in una carriera eccezionale costellata di successi e capolavori.
Nel mio immaginario posso distinguere diverse fasi nella storia della produzione Disney, di cui sono sensibilmente legato solo a due di esse, ed è di questi cambiamenti che vorrei parlare, senza per questo imporre il mio giudizio come assoluto. Si tratta solo di un mio punto di vista legato alle emozioni che i film Disney mi hanno dato fino ad un determinato punto della loro produzione.
La prima fase che è la vera Golden-Age della produzione Disneyana è quella che va dal 37 al 73, periodo in cui appaiono titoli immortali come Biancaneve, Pinocchio, Fantasia (capolavoro sperimentale, primo film della storia del cinema con suono stereofonico), Dumbo, Bambi, Cenerentola, Alice nel Paese delle meraviglie, Peter Pan, Lilli e il Vagabondo, La bella addormentata nel bosco, La carica dei 101, La spada nella roccia, Mary Poppins, Il libro della giungla, Gli Aristogatti, Pomi d’ottone e manici di scopa e Robin Hood. Nonostante questi ultimi quattro film siano stati realizzati dopo il 66, ovvero dopo la morte di Walt, è comunque riconoscibile in essi il suo marchio inconfondibile ed essi hanno il merito di aver creato una perfetta continuità con i film precedenti, ricordando la lezione del maestro. In questo spettro di quasi quarant’anni si può vedere come lo stile Disney fosse sempre lo stesso e nonostante i gusti del pubblico nei confronti del resto del cinema fossero mutati, la formula Disney rimaneva vincente: buoni sentimenti, ottima sceneggiatura, tecnica perfetta ed ammaliante, azione e divertimento, ma soprattutto musiche straordinarie e personaggi assoluti. Quando ero piccolo non avevo idea che tra biancaneve e Robin Hood fossero trascorsi ben trentasei anni e non avevo ugualmente idea che tra Robin Hood e la mia nascita ne fossero trascorsi altri undici, tuttavia ciò non mi impediva, guardandoli, di emozionarmi in egual misura.
Segue poi un periodo di titoli trascurabili e mediocri come Bianca e Bernie, Elliot il drago, Red e Toby, Taron e la pentola magica, Basil l’investigatopo, Oliver e Company. Un decennio buio che va dal 73 all’88 (cosa è successo dal 73 al 77? Sono bastati quattro anni di silenzio per far dimenticare agli Studios la lezione di Walt?) in cui spicca solo Chi ha incastrato Roger Rabbit, unica collaborazione della storia tra Disney e Warner, capolavoro assoluto, merito più del talento visionario di Zemeckis che della lungimiranza degli Studios. Questi sono gli anni della mia infanzia ed è significativo il fatto che allora guardassi i cartoni che precedevano il decennio della mia nascita.
Gli scarsi successi di questi titoli confermarono la necessità di rinnovare lo stile Disney e fu così che ebbe inizio la terza fase, quella che va dall’89 al 94 con titoli come La Sirenetta, La Bella e la bestia, Alladin e Il Re Leone. Io considero questa fase la Silver-age della produzione Disney: torna il successo di pubblico e critica, torna la qualità di sceneggiatura e realizzazione e c’è un significativo ritorno alla genuinità del periodo d’oro. Anche questa formula è vincente, ma qualcosa è cambiato: le storie sono melense, interamente pervase da una pateticità di fondo, i personaggi sono più scialbi, viene drasticamente ridotta l’ironia e le musiche diventano ridicole hit pop giovanilistiche cantate dalle star commerciali del momento (fatta eccezione per Nightmare Before Christmas, per il quale vale il medesimo discorso fatto per Roger Rabbit). Vi basterà confrontare capolavori come “Giammai gli elefanti volar”, “Io voglio esser come te”, “la Maratonda” e “Alleluja, tutti jazzisti” con canzonette come “E’ una storia sai”, “Il mondo è mio” e “il cerchio della vita” per rendervi conto dell’abbassamento generale della qualità musicale.
Inizia qui il periodo più controverso dell’universo Disney, quello che va dal 95 ad oggi, composto da due fasi divergenti che procedono di pari passo. Nel 95 esce Pocahontas il cui cambiamento stilistico è drastico ed evidente: si portano all’estremo tutte le qualità negative dei film della Silver-age e si accantonano sempre di più i canoni classici. La rottura con la scuola precedente è evidente ed il risultato non soddisfa. La Disney decide di tentare una nuova strada: invece di tornare alla formula vincente dei classici del passato, si affida alla Pixar reinventandosi completamente e lancia nello stesso anno Toy Story, primo lungometraggio d’animazione completamente sviluppato in grafica computerizzata. La trama è fresca e avvincente, i personaggi ironici e travolgenti, le musiche belle: il successo è assicurato. Personalmente riconosco a questo film il merito di aver risollevato gli Studios da quel pantano patetico in cui andavano immergendosi, ma lo detesto in quanto antecedente dell’unica strada oggi concessa all’animazione, quella della computer Graphics (lo detesto anche per la voce di Fabrizio Frizzi nel doppiaggio italiano).
Siamo ancora lontani dal monopolio assoluto della grafica computerizzata. Da allora al 2006 seguono diversi titoli di animazione classica e di scarsissimo interesse: Il gobbo di Notre Dame, Hercules, Mulan, Tarzan, Le follie dell’imperatore, Altantis, Lilo e Stitch, Koda fratello Orso (intervallati da una miriade di orribili sequel dei classici Disney), tutti pessimi prodotti di dubbio valore artistico e di intrattenimento. Nel frattempo il film in CG diventano sempre più frequenti e in quegli stessi anni escono A Bug’s Life, Toy story II, Dinosauri (Emblematico del cambiamento in atto: anno 2000, primo natale in cui il film Disney in uscita nelle sale non era disegnato ma in CG…e pensare che esattamente 50 anni prima le famiglie a natale guardavano Cenerentola), Monsters & Co, Alla ricerca di nemo, Gli incredibili, Chicken Little, Uno zoo in fuga, Cars. Il risultato è sicuramente migliore di quello dei loro fratelli animati, ma qualcosa sta radicalmente cambiando: i film sono pensati per un pubblico eterogeneo, di qualunque età, il prodotto non è più destinato all’infanzia e quindi i livelli di lettura sono molteplici e vengono recepiti in modo differente da adulti e bambini (soprattutto l’ironia delle battute). E’ uno stratagemma intelligente per riempire le sale, ma che rompe definitivamente l’ideale disneyano di innocente e magica fascinazione. Accade qualcosa di strano in sala: i genitori non vanno più al cinema per far vedere ai loro figli il nuovo film Disney, ma ci vanno per un loro piacere personale, una fruizione del tutto adulta, certamente un intrattenimento generoso, ma che trascura ormai del tutto il piacere ed il bisogno di far vedere ai propri figli un film pensato e realizzato esclusivamente per “Loro” nel significato più ampio del termine.
Da allora la Disney non ha più prodotto un lungometraggio animato, concetrandosi esclusivamente sulla CG (Robinson, Ratatouille, Wall-E, Bolt, Up, Toy Story 3) e nel frattempo la Dreamworks e’ diventata sua spietata concorrente nell’eterna rincorsa del successo al Botteghino con film che favoriscono sempre di più la spettacolarizzazione e la sceneggiatura “per tutti” (Z la formica, i vari Shreck, Madagascar, Kung Fu Panda, Mostri contro alieni) rispetto all’innocenza, alla magia e alla genuinità dei vecchi classici realizzati sul metro dell’ infanzia.
Non so se la Disney continuerà a cavalcare l’onda del successo della CG per sempre e sinceramente non credo che i gusti del pubblico siano veramente cambiati così tanto da non saper apprezzare un film animato fatto alla vecchia maniera (lo dimostrano i continui successi di pubblico e critica ottenuti dall’ultimo baluardo ad usare le tecniche di disegno tradizionali per i suoi film, ovvero lo Studio Ghibli di Hayao Miyazacki); confidando nella ciclicità delle cose, spero per me e per i bambini delle prossime generazioni che ci sia un ritorno all’innocenza e alla purezza dei classici Disney. Nel caso ciò non avvenisse saprò accontentarmi delle gratificazioni che la Disney mi dà con i suoi film come Pirati dei Caraibi (che se l’avessi visto da piccolo mi avrebbe trafitto di emozioni e lo conserverei ora nei miei ricordi con lo stesso valore di Mary Poppins e Pomi d’ottone e manici di scopa) o mi riguarderò per la millesima volta Robin Hood cantando assieme al cantagallo.
So che molti di voi la pensano diversamente da me, ma sono certo che vi basterà questa sigla per ricordare l’emozione travolgente che si provava quando ci si accingeva a guardare un film Disney home video.

E dal momento che non tutto il male vien per nuocere vi lascio con questo piacevolissimo e commovente incontro tra 3D e 2D.

Una serie di consigli illustrati per reprimere la nostra fame di consumismo.

Se avessi più soldi da spendere, o un’occasione speciale per farmi fare un regalo, vorrei uno dei disegni di Dane Lovett da appendere in quello che sarà il mio primo appartamento. Magari sopra al camino in salotto? Sarebbe bello.

Dane Lovett è un artista australiano dell’84 che ha già una pagina wikipedia che ti spiega dei premi ricevuti e dei lavori fatti. Uno di questi è la cover per gli Eskimo Joe, classica band che vi potrebbe piacere se ascoltata senza pretese, in macchina durante gli ultimi pomeriggi d’estate.

Guardate che belli i lavori di Lovett e ascoltatevi un po’ di musica nuova magari. Non sarà un granchè ma son sempre due piccioni presi con una fava.

C’e’ da chiudere la settimana, fare benzina e prepararsi… quindi buttero’ giu’ due righe di numero per parlare di illustratori, libri per bambini e party di quasi estate. Andiamo in ordine…

An Awesome Book e’ un libro dell’illustratore Dallas Clayton, un giovane americano che assomiglia al cantante dei Cut Copy. Ha scritto un libro per insegnare ai bambini a sognare ed a non smettere mai di farlo, penso che sia giusto cosi’ e penso che non dovrebbero leggerlo solo i bambini. Appunto se volete, qui ci sono tutte le tavole e la lettura e’ veramente rapida rapida. Fatelo.

Eric Carle forse come nome non vi dice nulla ma le sue opere sono abbastanza riconoscibili. E’ un signore americano del 1929 che illustra e spesso scrive i suoi libri per bambini. La sua tecnica e’ molto semplice, come dice wikipedia, fa dei collage con dei pattern da lui stesso disegnati e cosi’ compone le sue illustrazioni. Semplice ed efficace. Ecco alcuni esempi.

Mi ero preparato questo post su Carle attorno il 20 marzo 2009, giorno in cui appunto comparve questa scritta di Google ma poi, come sempre, ci si dimentica e il tempo passa.

Mauro Gatti e’ un illustratore italiano. Di primo le cose che fa mi ricordan la cover di Dimitri from Paris “Sacrebleu”, ma non lo so bene perche’… Comunque sicuramente avrete visto pure le sue cose in giro, i loghi di Mtv Mobile, Cannavaro e Iaquinta per Nike che sembravan fatti nel Ventennio, etc…

Sicuramente oltre alla sua bravura c’e’ da citarlo per uno dei suoi ultimi lavori, ovvero l’evento di Vans (l’immagine del post) di questo weekend a Varazze (Genova). Ed e’ qui che vi voglio, domani pomeriggio/sera venite a presenziare al primo, timidissimo visto questo piovoso maggio, appuntamento estivo sulla costa Ovest. Ci sara’ il gotha di TSTT e non solo, bella musica, trick in rampa e mi sa pure sulla spiaggia e cose cosi’. Spero cose tipo pazzainteramala ma non lo so…li non azzardo nulla. A domani!

OVVERO : quello splendido impero chiamato MTV.

pietro è un grande. non solo è così uomo da bersi il lago michigan in amari e vino rosso ma disegna benissimo. purtroppo per il suo portafogli ha lavorato per MTV italia che fa più porcherie di gerry calà e umberto smaila messi insieme. ecco il suo resoconto. i suoi altri lavori grafici (e non solo) saranno presto disponibili su www.pietronicolaucich.com . per adesso accontentatevi di quello che vedete QUI.

“Tu che fai?” “lavoro ad mtv” “ah fai il vj?” “No, sai, ci sono anche altri ruoli: producer, redattori, archiviatori, operatori, fonici, registi, runner, booking, h.r., segretari, assistenti, grafici, montatori…macché te lo dico a fare che tanto mi vuoi solo limonare (ed io ci sto!).”
Era più o meno così lavorare ad mtv: per i fruitori esistono solo quelli che si vedono nel piccolo schermo, ma basta comunque menzionare con leggerezza la propria appartenenza a quel magico mondo per suscitare il brivido da fascinazione televisiva e strappare limoni facili a malcapitate donzelle, inermi di fronte a questa patetica ipnosi da quattro soldi (certo serve anche una propria innata avvenenza fisica e predisposizione senza scrupoli all’approccio, ed io ho una gradevole facciatosta da gran figlio di puttana che voi non potete nemmeno immaginare…non crediate di poter rimorchiare solo perché lavorate in tv se siete dei brufolosi cozzi allergici alla figa!).
Bello dal di fuori quindi, ma bello anche dall’interno: orari flessibili, collaboratori brillanti ed amichevoli, ambiente stimolante, lavoro piacevolissimo e sereno, opportunità di conoscere molta gente più o meno importante e quella bella pompata di benzina al proprio ego per la consapevolezza di far parte di qualcosa di grande.
Ma presto questa facciata si sgretola o meglio si sgretola il significato e si innalza il muro del tuo senso di colpa: sì, perché scopri di non far parte di qualcosa di grande, ma di qualcosa di visceralmente ipocrita e contraddittorio. Mtv parla ai giovani da quando li stessi giovani sono stati chiamati “la mtv generation” e questa era un’opportunità grandissima che implicava una responsabilità grandissima: l’opportunità di formare un’intera generazione (e quella successiva) e la responsabilità di doverlo fare nel modo giusto. La rete ha clamorosamente fallito e per vili questioni di auditel. Pensate a programmi di comicità brillante come “Mtv Trip” e di sociologia originalissima come “Avere vent’anni” (ne cito due come esempio, ma un tempo la rete pullulava di perle preziose nel guano dell’oceano televisivo) e a ciò che ora vomita il palinsesto. Io, che questo cambiamento l’ho vissuto dall’interno, ho visto morire tutto ciò e negare la nascita di molte proposte altrettanto interessanti per favorire nuovi programmi imbarazzanti e privi di contenuti. Lentamente hanno spento le piccole gemme luminose una ad una lasciando sempre più spazio alla spazzatura. Il risultato è che lo spettatore medio non impara un cazzo se non chi siano i Lost e quanto valga la casa di Paris Hilton, e in più io devo girare per strada circondato da un esercito di goblin col ciuffo piastrato (i temibili Emo Kids) che urlano al cielo il loro diritto alla sofferenza (vi rendete conto che questo era un concetto pasoliniano? Ci hanno preso tutto) che può trovare pace solo nell’emozione dei testi delle loro band preferite “Standby standby tu non scappareeeeee”.
Ok, il danno ormai era fatto, solo la merda faceva audience e quindi la cultura andava soppressa, lentamente e radicalmente, soppiantata dall’impero della supeficialità e del materialismo, occultata con maldestri sotterfugi (agli occhi di un pubblico ormai lobotomizzato “standby standbyyyyy”; ma veri e proprio insulti all’intelligenza di una persona normo-intelligente).
Vi svelo il sotterfugio? Un programma dal gagliardo nome di “Tocca a noi!”: “Con “Tocca a Noi – Le Cose Non Vanno Cambiamole Ora” MTV Italia vuole dare voce ai giovani!
L’obiettivo è quello di trasformare le vostre richieste in qualcosa di tangibile e costruttivo e dare vita ad una proposta di legge di iniziativa popolare realizzata solo e unicamente da voi ragazzi!
Durante l’Election day, MTV vi ha chiesto di dire cosa non andava e cosa avreste voluto cambiare. Avete risposto numerosi e pieni di voglia di cambiare. Ora MTV accoglie le tutte le vostre richieste e diventa la vostra personale cassa di risonanza!
I macrotemi trattati sono quattro:
• Ambiente
• Istruzione
• Lavoro
• Maggiori possibilità di accesso per i giovani alla politica
(…)”

Non scenderò nei particolari perché l’ipocrisia di questo proposito mi sembra di per sé evidente. Ed ecco il sotterfugio che consentì alla rete di mantenere la testa alta di fronte alle sue responsabilità di formazione dei giovani, mentre nei contenuti reali covava il marcio dei suoi palinsesti per giovani amebe. Ma il marcio puzza e prima o poi inizia a sentirsi…lo hanno sentito tutti e il sotterfugio è venuto a galla: precariato estremizzato, programmi chiusi, e calci nel buco del cazzo a tutti quanti (me compreso). Non parlerò di questo perché ne hanno parlato in molti e meglio di come saprei fare io, trovate tutto qui http://mtvisnotsocool.blogspot.com/

Ora non so cosa farà Mtv e inizia a non fregarmene più un cazzo, ma mi rammarico che chi ha avuto l’opportunità di plasmare il futuro del pianeta l’abbia fatto in modo così egoista. Nietzsche diceva: “I cattivi poeti rendono torbide le acque per farle credere profonde.” Direi che non c’è peggior poeta di chi dice “Standby standby tu non scappareeeee” e non c’è acquitrino più putrido di spazzatura da mascherare per farlo credere profondo di buone intenzioni come Mtv. Ed io, che di solito mi accontento di birra e limoni disinteressati, oggi ho tolto un po’ del tempo che solitamente dedico a queste virtuose imprese per passare con la mia barchetta e smuovere un pò le acque per mostrarvi cosa c’è sotto quell’acqua torbida: un immenso leviatano che presto o tardi ingoierà quel poco di materia grigia che ancora esiste nei cervelli annebbiati dei giovani telespettatori…e non abbiamo nessun Achab a dargli la caccia!

Torno alle mie birrette…

STANDBY STANDBY PORCOD********

Buoni propositi per l’anno nuovo: imparare qualcosa ogni giorno. Dove?

Qui!

quando si giudica è giusto dire che si “azzarda un giudizio”. i giudizi sono essenziali parametri della realtà, sono presenti in tutti noi; ciò che ci fa essere diversi (migliori o peggiori di qualsiasi punto di riferimento) è quanto siamo pronti a modificarli a seguito della realtà di cui facciamo esperienza.

il concorso dell’adidas è stato vinto da olimpia zagnoli. olimpia è una collaboratrice di questo sito e una ragazza che stimo oltre il limite del suo lavoro. quando l’ho conosciuta suonava in un gruppo terribile che mi ritrovavo a ogni concerto punk a cui assistevo, aveva un blog in cui scriveva cose bizzarre e fa dei disegni fantastici ed è -sorpresa sorpresa- una ragazza d’oro. che però abbia vinto il concorso dell’adidas “celebrate sticazzi” non significa nulla. olimpia potrebbe aver vinto anche il festival del rutto modulato e i suoi disegni sarebbero comunque fighissimi. senza contare il giudizio che azzardo sui suoi co-partecipanti, ho visto un po di interviste e, senza entrare nel particolare, la maggior parte (non tutti) di loro sembra davvero ritardata. per olimpia è stato come essere kareem abdul jabbar alle paraolimpiadi di basket per nani.

la cosa buona di un concorso del genere è che adesso olimpia è spesata per una mostra la cui apertura si terrà domani. ricordate che l’adidas non è una fondazione senza scopo di lucro, vuole lucrare su di voi e vendervi un sacco di roba e, dal suo punto di vista, ancora grazie che ci prova con iniziative interessanti. andateci con le nike!

Vernissage: Martedì 24 Novembre 2009, h. 18.00

c/o Vice Gallery, via Watt 32, 20143, Milano

La mostra rimarrà aperta al pubblico dal 25 Novembre al 4 Dicembre 2009, dal Lunedì al Venerdì, con questo orario:

10:30 – 13:00

14:30 – 19:00